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油漬、頹廢與甘美蘭

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早前我還在商場賣電話的時候，我上司是一位身裁瘦小，相貌堂堂，但卻因抽煙仔的習慣而滿口黃牙的男子。因為經營的是電子商品的生意，店裏擺賣的Hi-Fi都能供播放試音之類的。平日門面比較冷清的時陣，員工有的一點樂趣就是放一些音樂來消遣。那段時間算是青澀，聽的入迷的都是些90年代的Britpop，Shoegaze，或者Grunge。而有一次碰巧讓我放了Oasis名曲Don't look back in anger。上司算是三十好幾的人，聽悉便跟著哼起來。問現在小孩子點解聽這曲子，那可是他中學時期的歌。 對呀，那是90年代，整個時代的孤僻與反叛。每個少年都蓄長了遮眼的頭髮，穿的是短袖套長袖的T-shirt。我一直認為90年代是文明成長期中內斂的叛逆，儘管每個年代都擁有屬於各自的叛逆，90年代凸顯的異化、邊緣，卻似乎是一代青年壓抑的低吼。並非60年代的抗戰，並非70年代的靡靡，更不是80年代的色彩。90更成就一種對商業、消費主義的怒斥和無奈。 本地90年代的樂團更是不遜色的，不用提OAG這隻取材於Britpop的團，我想（重新）介紹這張Butterfingers的《Transcendence》更親近來自美國的Grunge。頗有意思的是專輯封面，寫於封面上一張看似從史簿裡抽取的一張老相片，拍攝的是一排馬來皇室的官方合照，實則不然，這封面上前排座的都是換上貴族裝束的團員。照片靈感啟發於一張吉蘭丹皇室攝於1909迎接海峽省長的合照。 如此巧思，給人印象是一張難解的唱片。可其中少不了馬來文化的根蒂，比如說開片曲《The Chemistry (Between Us)》與 《Faculties of The Mind》都引用東南亞和弦結構，甚至在《Epitome》離能聽見甘美蘭與弦樂的穿插。雖然算不上是很新穎的作風（畢竟歐美爵士70年代就已有大量與世界音樂結合的實驗），在編曲偏向重蹈覆轍的Grunge音樂裡，尤其東南亞這類小眾的圈子裡，何嘗不是一次有膽識的嘗試。把油漬、頹廢的現代性注入甘美蘭那銀鈴的過往，彷彿是對峙，又磨合得來。是進口的西式頹唐，既與傳統對立又與之合奏。甚至在頗顯印度卡納提克（Carnatic）影響的《Moksha》中聽得見伊斯蘭化前的馬來，那個過去由印度王國統治的馬來亞，神秘卻被價響的吉他變形，呼喊聲淹沒。 本土音樂若往過去張看，其實不乏有理念...
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關於民族樂

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Tropical house和Dancehall當道之前，有段時間，有個年代，非籍音樂與印度音樂影響著歐美音樂發展軌跡。那個時候，我們有Bob Marley，我們有George Harrison和Ravi Shankar。這需要延伸探索的枝葉、往外尋覓新鮮的現象在樂界裡層出不窮，穿過了時代，燒到主流電音裡來了。 為何傳統民族樂總是充滿了魅惑之力，像個靜守岸線的復活島石像，等待人們來發現？而人們總是一而再再而三地想回歸到原始的樂聲裡，圖新的可能。大陸這頭，民族音樂輝煌騰達，像是越接地氣的東西，越能直達人心。儘管那不屬於我能體會的歷史，卻於肌膚底下挑撥著存活每個人心中的原野。 而內斂的獨立樂界裡，Alt-J混合中世紀民謠和弔詭詞曲之前，我們有Primal Scream，我們有Yeasayer。我必須說說《All Hour Cymbals》這張專輯。 聽音樂，誠如尼采所言：必須有傾聽新音樂的新耳朵。我們得擁有那麼一對耳朵，總是不安於安穩，總是找尋挑動耳鼓的新聲音。 Yeasayer的音樂是奇妙的。佈滿中東與拉丁傳統基調，卻戲謔似的將其融入未來感的碎鼓裡，浸滲剝奪自大自然的鳥嘄與蟲鳴，其後迴繞層疊鬼魅合聲。是電與自然、未來和過去、當代同傳統的切磋與湊合。不像Alt-J那種拼圖試的苟合，卻像拿了東方西方沆瀣一氣，煲出湯來。這湯的滋味是雜，是繽紛多彩的。聽著會以為來自波西的Maqam訥，滿是搖曳的流蘇質感。 Goat的《World Music》。Goat這支來自北歐的樂隊，和Daft Punk一樣永遠戴著神秘面紗，面具倒是不一樣了，上的是集結不同民族的顏色。Afro-beat的節奏運著嘶喊與電吉他Overdrive，豐腴渾厚的音質隨快節奏跳動，總叫人難以分辨。誰知道兩個差距甚遠的支流交匯了，能奏出一片天地呢？民族樂不止前後影響了主流與獨立音樂，在實驗性的地下世界，也能瞥得一絲痕跡。Radiohead吉他手Johnny Greenwood在休團期間，早些時間與以色列音樂人Shye Ben Tzur移師印度錄製並拍攝的音樂紀錄片“Junun”，似乎是一張向陌生文化鞠躬的致敬作。乍聽下與一般印度音樂沒差，卻能聞到隱約注入的實驗韻味，更像一場東西的對話（讓人想起Ravi Shankar和Yehudi Menuhin攜手的“East Meets West”呢）。十...
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一個年代的閉幕

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早前買了一張碟，紀念版的《Bridge Over Troubled Water》。裡頭有兩片CD，一張是專輯本身，另一張是同樣珍貴的《Live 1969》。一片DVD，封套後註明是一隻關於專輯的紀錄片和一部電視節目《Songs of America》。一直沒機會（或根本惰性）播看這張DVD，其餘兩隻是聽了又聽，唯獨DVD被忽視呵。 當時於谷中城Rock Corner買下這碟，並沒有多想，就是在架子上瞥見。Simon and Garfunkel，啊，著名的El Condor Pasa在裡面。荷包沒剩多少銀兩也買了，可見年輕是多麼缺乏金錢知識。可也沒後悔，買到這CD也算是賺大了。三張碟一塊兒，Simon and Garfunkel的精髓都包在內了。《Bridge》算是不朽經典吧，這張碟之後Paul，Artie兩人就解散了。解團總是能產出質量最佳的專輯呵（《The White Album》是挺好的例子）。 前幾日心血來潮就挖了這DVD看，真是大開眼界。《The Harmony Game》，為紀念版攝的一部紀錄片，深入、親近地瓦解了整張專輯。十分好看，十分好看。乍看年邁的Roy Halee —— 製作人，當面向音樂卻活像個頑童，看著他一字字地回溯製作專輯的過程，像回到過去般，數不盡的熱衷、揮動著雙臂與回憶中的音樂一同舞動。一個因音樂而快樂、而振奮的熱情之人啊。看他的訪談也因此變得多趣。紀錄片由編寫談至技術談至情感，是一部扣人心弦的佳作，可惜片短了些，且小製作，水準仍是上流的。 且說說《Bridge》這張專輯。六十年代末，悸動狂躁地年代。當時的美國子民既信愛與和平。Folk Rock正好趕上這時代列車，冠冕政治樂曲代言：象徵了一個音樂插手政治、抗爭不公的時代。初聽Simon and Garfunkel並沒有意識到Paul Simon書寫中濃郁的政治隱喻。直到在片中，《Songs of America》的製作紀錄才讓我正視他們對政治觀的歌頌。其中一幕，Paul坐在沙發上輕鬆的撥吉他，遠處傳來疑似Artie的聲音：「你可有想過要做一名總統？」。搖晃的鏡頭中Paul斟酌了半晌，說：「我想我應該沒時間。」他時間都花在寫歌上呢。 而且寫了如此多膾炙人口的曲子。同名曲《Bridge Over Troubled Water》之強烈，是很少鄉謠能做到的，何況鄉謠本身就是個偏輕的樂...
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